POSTIMPRESIONISMO:

Posimpresionismo o postimpresionismo  es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. Su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.

Características

1.- Se concibe el arte como una actividad específica, es decir, reproducir la realidad como es no como una reproducción ilusoria

2.- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.

3.-Los cuadros ya no son asimétricos sino que los cuerpos con geométricos.

4.- Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos.

5.- Empleo de colores contrastantes para distender y definir los planos y formas.

6.- Utilización de colores puros con gran carga emotiva y creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior.

7.- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas.

AUTORES Y OBRAS

Paul Gauguin.

Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual. Su obra “Muchachas con flores de mango” en la que representa no solo dos muchachas sino también la armonía y sencillez de la vida de pueblo. No hay perspectiva, es pintura plana y representa la realidad.

Paul Cézanne.

En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. Su pintura ha influido en los movimientos posteriores cubismo, fauvismo y expresionistas. “Los jugadores de cartas” se trata de dos hombres que juegan a las cartas situados en lados opuestos y una botella en el centro que preside la mesa. Utiliza pinceladas breves, finas, superpuestas y de diferentes tonalidades que modelan los volúmenes y los objetos.

Van Gogh.

Pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar los sentimientos. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. “Noche estrellada” no pretende ser un reflejo fiel del paisaje sino la expresión del sentimiento del artista hacia la naturaleza, que se materializa con el uso de la deformación.